La relación actual en el arte, entre vídeo y sonido surge a partir de los años 70, surgen los primeros videoclips, tecnovisuales, video y arte sonoro. Aparecen técnicas de DJ y VJs. Pero esta relación no es nueva en el ámbito de la imagen, en 1920 ya se hacian experimentos con el video.
Aparecieron películas abstractas ( o música visual) y radio películas ( sin visión)
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La conexión entre el mundo visual y el mundo acústico es tan cercana y tan variada que es muy difícil imaginarlas en esferas separadas sobre todo en el comienzo de esta nueva era de los medios.
La división cultural e histórica entre música y bellas artes es debida en parte a las características efímeras de la música. Recordemos que estas artes estaban apartadas del mundo de la crítica del arte debido a esta característica, siempre se habia dado mas importacia a la arquitectura, la pintura y la escultura.
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La música fue observada como un arte intelectual relacionado con las matemáticas desde tiempos antiguos, esta relación corresponde a la armonía. En la Edad Media la pintura y la escultura todavía eran judgadas como artesanía y no como arte, sin embargo la música sí que lo era.
Es solamente en el s. XX cuando el medio audiovisual- la unión entre imagen y sonido- se hace posible. En la primera época, los medios visuales y sonoros estuvieron forzados a permanecer separados debido a la técnica. En una película la imagen era proyectada por un lado y el sonido era reproducido por un gramófono, lo cuál requería sincronizar la imagen y el audio.
Los pioneros del arte sonoro, o de la música visual hicieron visible que realmente aún surgiendo esta unión temprana en los años 20 el público en general no estaba preparado para la unión de los dos sentidos en uno.
En el pasado la música era una de las siete artes, las llamadas artes liberales.
Mientras que las artes visuales eran consideradas artesanía la música gozaba de una consideración social elevada al estar basada en la filosofía pitagórica.
La teoría musical se explicaba en términos matemáticos, junto con la aritmética, la geometría y la astrología.
Platón reconocía una relación especial entre la visión y el sonido. La sinestesia ( fusión de los sentidos), explica esa relación especial entre imagen y sonido.
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Louis-Bertrand Castel
Fué un matemático y físico francés del siglo XVII. Realizó una teoríaen la que afirmaba que existe una relación directa entre los siete colores del arco iris y las siete notas de la escala.
Castel pensaba que las vibraciones producen color, igual que sonido, así que llegó a la conclusión que el color y el sonido son análogos, lo que lo llevó a teorizar sobre el ‘clavecín ocular’, que mostraba colores en relación con las notas.
Originalmente era sólo una teoría, pero el escepticismo de la crítica lo empujó a pasarse 30 años intentando construir su invento. El clavicordio ocular de Castel consistía en un marco con ventanitas de cristal de diferentes colores colocado sobre un clavicordio normal. Al presionar cada tecla, se veía un parpadeo del color asociado.
En 1754, Castel construyó una segunda versión que funcionaba con 500 velas y espejos, ofreciendo luz suficiente para un público mayor.
Libro: Louis-Bertrand CastelL’Optique des Colours, fondée sur les simples observations, & tournée sur-tout à la practique de la peinture, de la teinture & autres arts coloristesParis: Braisson, 1740.
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En 1893 , el pintor británico Alexander Wallace Rimington inventó Lumières del à de Clavier. Rimington Órgano del color atrajo mucha atención, incluyendo el de Richard Wagner y sir Arboleda de George. Se ha demandado incorrectamente que su dispositivo formó la base de las luces móviles que acompañaron Nueva York premier de Alexander Scriabin synaesthetic sinfonía Prometheus: El poema del fuego en 1915.
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En el culto cristiano, la misa, tiene elementos visuales y sonoros que hacen del ritual algo completo. La organización del coro, y la focalización en el altar, es indispensable para la ceremonia. El incienso actúa también como elemento que complementa las sensaciones ápticas.
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Leon Battista Alberti (1404-1472) y Leonardo da Vinci (1452-1519) relacionaron las artes visuales con las matemáticas otorgando a la pintura una nueva categoría de arte, al nivel de la música.
Leonardo diseñó instrumentos, por ejemplo una lira de plata para el príncipe Lodovico Sforza de Milán. Según Vasari, Leonardo cuando pintó la Mona Lisa, hacía que tocasen música y cantasen en los posados. En su tratado "El Paragone” Leonardo habla de la armonía existente entre música y pintura. También hace referencia a la superioridad de la pintura sobre ésta ya que permanece en lugar de desaparecer (la música es de belleza más frágil).
En el transcurso del s. XIX, la música adquiere cada vez más protagonismo. Beethoven (1770-1827) escribió la 5ª sinfonía. Shopenhauer (1778- 1860) sostenía que la música es un lenguaje común que puede ser comprendido por todo el mundo.
En la primera etapa del Modernismo, la interacción entre arte y música tuvo un considerable impulso en el desarrollo de nuevas formas de arte. Wagner, propone la idea de la "Obra de arte total" ( Gesamtkunstwerk) para referirse a una obra en la que música, teatro y artes visuales se unen en una sola pieza. Para Wagner, las tragedias griegas unían todos estos elementos, ( los cuales fueron separados y diferenciados en distintas artes).
El compositor Richard Wagner buscaba la obra de arte total. Wagner vio en Beethoven al héroe de la "música absoluta", y lo muestra como la clave en el futuro del arte general.
En 1876 se produjo un cambio con la creación del Teatro Festspielhaus de Bayreuth. En este caso es el espacio arquitectónico el que nace para la música, y no al revés ( como pudiera ocurrir en las creaciones musicales propuestas y creadas específicamente para los espacios sacros).
1876 Teatro Festspielhaus de Bayreuth
La primera piedra se colocó el día del cumpleaños de Wagner, el 22 de mayo de 1872. La inauguración se hizo con la primera representación completa de las cuatro óperas que constituyen el ciclo El anillo del nibelungo, del 13 al 17 de agosto de 1876.
“La entrada principal presenta la típica ornamentación de finales del siglo XIX, mientras que el resto del exterior del edificio está modestamente decorado, con piedra y ladrillo (lo que, en ocasiones le valió el apelativo despectivo de “el granero”). El interior está construido principalmente en madera. En contra de la tradición, el auditorio presenta una forma en abanico escalonado, sin galerías ni palcos, con visibilidad perfecta del escenario desde las 1.925 localidades.”
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Schoenberg
El compositor sirivió de inspiración para Kandinsky y Franz Marc. Schoenberg se liberaba de las constricciones de la composición musical ( sistema tonal) y Kandinsky se liberaba de los dictados de la imitación de la naturaleza y de la figuración. La composición y la pintura se encuentran en un momento clave.
Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy
Kandinsky enseguida quiso contactar con Schoenberg y proponerle formar parte de el jinete azul. En su primera carta le escribe que Schoenberg había encontrado en la música lo que él buscaba desde hace tiempo en la pintura.
"Electric Prisma" 1.916 Sonia Delaunay
Robert y Sonia Delaunay también tuvieron una estrecha relación con la música. Utilizaron el contraste entre colores simultáneos para crear nuevas vibraciones en la visión. El ritmo de sus cuadros creaba una nueva afinidad entre música y pintura. Sus pinturas fueron llamadas por su amigo el poeta Apollinaire “Orfismo” ( de Orfeo, personaje de la mitología griega, que toca la lira, y representa la unión entre poesía y música).
La imagen en movimiento, surgió como una nueva categoría dentro de la creación artística.
Leopold Survage (1879-1968)
Helmuth Viking Eggeling (1890-1925)
Hans Richter (1888-1976)
Walter Ruttmann (1887-1941)
Buscaron en sus películas que la pintura tuviera la posibilidad de la acción, del ritmo y que se acercase de este modo a la música para hacerla más “viva”.
En la Bauhaus el interés por la música de Kandinsky, Schlemmer, Moholy Nagy o Paul Klee marcó una nueva interacción entre esta artes. Klee percibía el espacio como tiempo, al igual que Delaunay ( fueron presentados por Kandisky en 1912). Klee utilizó el término pintura polifónica. Klee reclamaba la categoría del tiempo para la pintura. A diferencia al pensamiento de Leonardo, él veía en el tiempo el elemento de unión de todas las artes. Las acuarelas producidas en 1921 estaban directamente influenciadas por los experimentos con luz que se realizaban en los talleres de la Bauhaus.
Paul Klee, Fuga en rojo
Las composiciones de Klee influenciaron al entonces estudiante de la Bauhaus Ludwing Hirchfeld-Mack (1893-1965), el cual creó un aparato con el que podía realizar proyecciones de luz ( juegos de luces de colores). La primera actuación fue en la Bauhaus en 1923, acompañada de música de piano. Pinturas trasladadas al movimiento.
Ludwig Hirschfeld-Mack, «Farbenlicht-Spiel», 1921
Kurt Schwitters trabajó -en lugar de con el color- con palabras. En 1924 grabó la Ursonate. Para él no es la palabra el material original de la poesía, sino la letra, el fonema.
ARTISTAS ACTUALES
Colour Organ es una instalación de Tyler Adams inspirada en la relación entre el sonido y el color. La luz va cambiado lentamente de tono, y el espectador puede escuchar cómo suena cada color. La instalación funciona con un programa que mapea las frecuencias del espectro de color RGB y las traduce a frecuencias sonoras. El cambio de color y sonido es tan lento y sutil que engaña a la percepción.
(link)
Junichi Akagawa hace uso del sonido y de las imágenes generadas a tiempo real que combinan con elementos acústicos y visuales para involucrar todos los sentidos del espectador, no sólamente la vista y la audición.
Con su portátil, Akagawa produce principalmente música electrónica rítmica consiguiendo crear unas obras a la vez dinámicas y sensibles que resuenan en el corazón de la audiencia.
(link)
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