Arte sonoro en el programa “Metrópolis” de Rtve.
Exposición en la casa encendida Madrid (link)
Todo sonido ocupa un espacio
Esculturas, instalaciones, arquitecturas, acciones, mapas, recorridos, audioguías, conciertos, radiocreación. Este documental trata la música, la palabra, el silencio y efectos de sonido.
Los siguientes artistas aparecen en el documental:
Ryoji Ikeda
C. Spencer Yeh
Rveit-Lup
José Iges y Concha Jerez
Janek Schaefer
Steve Roden
Martin Riches y Masahiro Miwa
Jean François Laporte y Barbara Sarreau
Katja Kölle
Brendan Walls
Ángeles Oliva y Toña Medina
Minoru Sato
Michael Northman &Manu Holterbach
Rache Shearer
Angela Bulloch
C Spencer Yeh
http://joseiges.com/
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¿Qué evolución ha sufrido la música- sonido occidental?
Música instrumental
desinstrumentalización
post-intrumental
Sonido armónico-disarmónico
Palabra- fonema
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A partir de los 70 existe una relación estrecha entre la música y el montaje, se empieza a crear música electrónica, la digitalización facilita el montaje. El Arte y los medios de comunicación de masas y la industria cultural constituyen un espectáculo de progreso social y tecnológico.
Depeche mode, en sus inicios.
Ejemplos:
La música pop 1970.
La música electrónica versus Punkfuturismo electrónico.
Admiración por la máquina
El acceso a nuevas esferas, propició este cambio. ( movimiento hippie-drogas-lsd)
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Kraftwerk
El grupo alemán Kraftwerk, fué uno de los grupos pioneros en la música electrónica. En sus conciertos introdujeron la mezcla de la música y la imagen.
El Pop
Esta es la época de la cibernética, los instrumentos electrónicos van desplazando a los instrumentos tradicionales de la música rock. Se hace ritmo con una caja programable, se repiten frecuencias de notas a la velocidad que el técnico requiera, se sustituyen músicos por máquinas. En la evolución de la música pop, se fue desarrollando esta combinación entre imagen y sonido, investigando en sonido ambiental, atmósferas de sonido, paisajes sonoros, la utilización del sintetizador, la música electrónica postinstrumental, una nueva generación de sonido electrónico, interfaces de producción digitales, reproducción de sonidos, el montaje de voz, o los instrumentos electrónicos (como la nueva Kitara, una guitarra “electrónica”).
http://www.vjspain.com/
Conceptos de “montaje” y “bricolaje”
Levi Strauss
Sostenía que la obra de arte es algo análogo al lenguaje, pues no puede serlo, ya que el aspecto comunicativo anularía su valor estético (es decir, no tienen un efecto comunicativo directo).En el montaje, se realiza una transformación final, mientras que en el bricolaje, no se realiza ninguna transformación.
Diferencias entre lenguaje y arte:
El arte no es un sistema de signos arbitrarios, la estructura de significante y significado es muy cercana; existe siempre una relación directa entre el signo y lo que denota, son estructuras visibles.
Para Levi Strauss una obra de arte renuncia siempre a lo que la conecta a la realidad (la música pierde la visualidad, la pintura la tridimensionalidad, la escultura el tiempo….)
La obra de arte se conecta con la mente a través de estructuras visibles, de manera que ambas tienen estructuras comunes.
Levi Strauss, El pensamiento salvaje
El pensamiento salvaje es como un pensamiento “base” o pensamiento estructural común en todas las sociedades, pues es racional. Por esto, la armadura musical (determina la tonalidad, el principio básico) posee cierto nivel de organización estructural, que la hace común a todas las culturas.
La historia es una invención cultural, en la que existen:
Las sociedades calientes, en las que se genera un residuo debido a la civilización y al progreso y las sociedades frías, en las que no se generan residuos, debido a no civilización, que no progresa.
A su vez, para Levi Strauss, existe una competitividad evolutiva en las sociedades civilizadas que en las no civilizadas no sucede.
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El “Morphing” (metamorfosis) se convierte en un nuevo concepto cercano a la música y a la transformación sufrida en el arte, puesto que hoy día la música es una mezcla, y difícilmente se pueden distinguir las piezas del montaje.
La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica, Walter Benjamin.
En su ensayo La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (1936), el filósofo alemán Walter Benjamin, señala que, la obra de arte ha sido siempre motivo de reproducción o copia.
Los alumnos hacen copias de obras de los maestros como ejercicio artístico y también están los que copian para vender. Las técnicas de la xilografía o la litografía permiten reproducir el dibujo. La imprenta reproduce la escritura. Pero si bien toda obra puede ser reproducida, la reproducción es lo propio del cine y la fotografía. Es decir que la reproducción técnica deviene procedimiento artístico.
De una placa fotográfica, por ejemplo, es posible hacer muchas copias y no tiene sentido, entonces, preguntarse por la copia auténtica. Pero, aunque la obra puede ser reproducida por diversos medios, lo que no puede ser copiado es el momento preciso correspondiente a un lugar, día y hora en que fue producida o creada. Se puede copiar una pintura o la imagen de una pintura pero no se puede copiar su “aquí y ahora”, su autenticidad. Es decir, no se puede copiar su aura. “Del aura no hay copia”, escribe Benjamin.
El aura es definida por el filósofo como “la manifestación irrepetible de una lejanía”. De manera que el cine y la fotografía, al reproducir de manera potencialmente infinita la obra de arte, hacen que ésta pierda su magia, su aura, su autenticidad y su originalidad.
Para Benjamin, el aura se atrofia en la reproducción. Se pierden ciertos valores como la singularidad, autenticidad y perdurabilidad de una obra, en detrimento de otros como la multiplicidad, la fugacidad y lo efímero. Pero esa característica propia del arte en la modernidad es también reflejo de las nuevas formas de vida.
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